被網友暱稱為皮蛋豆腐、火鍋滷味套餐等的臺北表演藝術中心（以下簡稱為北藝中心），由世界頂尖事務所 OMA（大都會建築事務所）設計，融合士林在地多元肆意生長的草根能量，突破對藝術殿堂的既定印象，打造出極具前衛性的當代劇場空間，成為臺北破格的惹眼地標，也拉近了藝術與日常的距離。
庫哈斯的顛覆性美學：透過直面城市現實，回應與重構環境秩序
談到 OMA 與庫哈斯，經常直覺聯想到具衝擊力的造型、超越傳統建築秩序的量體排列，看起來顛覆又挑釁，而這正是他擁抱社會真實的入世美學展現：拒絕順應僵化的既有脈絡，從混雜、擁擠、矛盾的日常出發，吸納所有在地能量，塑造讓所有矛盾並存的空間。而對於選址士林的北藝中心而言，創造出能承接夜市熱鬧與變動的場域，便是這次設計最關鍵的命題。
建築的開放性與流動性：創造更多演出的途徑
夜市的煙火氣、捷運帶來的人群，與週邊商業活動、生活機能交錯，使士林轉換節奏極快，城市密度緊密。北藝中心將三座劇場向上集中，縮減建築對基地的佔用，釋放更多公共空間，以更開放的姿態回應城市、迎接人群。在結構上，其跳脫了過去劇場明確的正背面規劃邏輯，大劇院、藍盒子與球劇場打造為幾何造型體，嵌入中央的波紋玻璃立方體，三座向外凸出的劇場形成建築的不同表情，每一面都像是擁抱城市的舞台。
中央立方體容納舞台、後台、技術支援與公共空間，讓原本需要分散配置的劇場機能，被整合在一個相對緊湊而高效率的結構裡。其外觀以波紋玻璃帷幕包覆，巧妙模糊了建築內外的界線：玻璃表面折射、暈染環境風景，人們從外部可望見變換的光影、若隱若現的輪廓流動，但內部並不會完全被看透。於是，建築本體也成為一種表演，量體的錯位、玻璃的映射，以及穿梭的人潮，共構成一齣永不謝幕的城市劇場，移動、停留持續發生，觀看與被觀看持續上演。
三座劇場擁有截然不同的性格：容納多元大型演出的大劇院，不同於傳統鞋盒型、馬蹄型劇場，以些微不對稱的創新空間呈現，動線更自然且彈性；球劇場呼應環形劇場的歷史想像，球體與中央立方體交接的位置，構成獨特的鏡框開口，營造極具視覺張力的舞台，劇場內的座位依弧度排列、接近等距，讓觀演體驗更凝聚；藍盒子作為充滿實驗精神的空間，延伸了黑盒子去除裝飾、強調空間可變性的特性，座椅可以拆卸並重新配置，讓舞台能依照作品需求重新安排，劇場不再先決定觀看方式，而是把空間留給參與者自己尋找答案。
最顛覆的設計是，大劇院與藍盒子之間可以打開隔音牆並連通，組合成「超級大劇院」，能容納約 2,300 席，使原本只能在倉庫、展覽廳或特殊場地完成的大型作品，有機會在專業劇場內被重新實現，更帶給創作者更多想像空間。
劇場雅俗共賞的本質：拓展更多參與的可能
北藝中心除了有能自由進出的公共空間，更有免費開放的參觀回路，透過約 30 分鐘的路徑，帶人穿越建築內部，窺見神秘的後台、舞台隱藏角落、演職人員工作廊道，也有邂逅表演者的可能性，原本藏在幕後的運作，有了被看見的機會；劇場也在沒有門檻的情境下，以更多元的方式被探索、被親近。靈活的劇場結構展現出對藝術形式的包容性，各式表演都能尋得適合的尺度，任何作品都有發生的可能。
整體而言，北藝中心成為一個接納差異的公共平台，有人在此觀看國際級演出，有人只是沿著參觀回路認識劇場；有人在感受舞台表演與自我的共振，也有人單純受波紋玻璃折射出的城市光影吸引。不同的人，以不同的方式同時進入同一座建築，劇場因此不再遙不可及、藝術不只存在於開演之後，而是真正進入城市，逐漸成為日常的一部分。
隨時讓演出發生：劇場藝術回歸為城市尋常風景
從最原初的觀看之所、娛樂節目演出，劇場逐漸演變成反映人類真實處境、引出社會議題、挑戰既有框架的媒介；觀眾從單純觀賞，到能從自身經驗出發，與演出者之間發生即時的交流，並進一步啟發後續的情感激盪、解讀反思，甚而帶出更多溝通的可能。
北藝中心從建築層次，回應了劇場的開放精神，展現出其公共性、社會性、實驗性與互動性，涵融多元可能在其中流動，貫徹與當下對話的特質，從觀眾、表演者到工作人員、參訪遊客，甚至路人與網友，每個人都能透過不同途徑參與，象徵藝術不再與大眾產生距離，重新回到人群之中。
如同臺灣劇場正在傳統與當代之間，走向各種更開放的面貌，北藝中心可以容納成熟與經典，也可以容納未知與即興，允許各式創作自由探索邊界，讓變動與規則並置，讓一切藝術與觀點都有機會發生；不僅作為一座國際級的表演藝術場館，更重要的，是在城市築起了一個能夠思考、碰撞、想像、重新觀看自我的場域，持續為社會注入嶄新的能量，也讓城市角落裡還未被說出的故事，有機會走上舞台。
